Bob Law

Bob Law

In 1959, Bob Law lay in a Cornish field and wondered how to describe the space he was in. His solution was a series of drawings in which figurative elements – such as trees or houses – are arranged along a doddery pencil line at the perimeter of the paper. A year later, Law had distilled this approach to his signature device: the rectangular perimeter alone, bounding empty space, sometimes accompanied by a date, a title or his name, always in block capitals. – Jonathan Griffin

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Alex Hubbard

Alex Hubbard

Alex Hubbard’s latest New York solo show, “Somebody had to do it,” combined the cerebrally slapstick and the delightfully inscrutable… Hubbard reaches or steps into the image, moving slowly and with great seriousness as he balances everyday objects, one atop another, to form a rickety tower, until the lot collapses with a bang. – Brian Boucher

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Ida Tursic & Wilfried Mille

Ida Tursic et Wilfried Mille

Ida Tursic & Wilfried Mille, Landscape and Sainte-Victoire by night and cold flowers, 2016, Oil on canvas, 250 x 400 x 5 cm, 98 3/8 x 157 1/2 x 2 inches

“Elizabeth Taylor in a landscape, painting nature’s beauty and the caress of the smirking sun over the mountains” est le titre d’une de ces icônes, un petit format à l’huile sur bois qui donne son nom à l’exposition. La star y figure en peintre du dimanche dans un décor idyllique des grands espaces américains. Appliquée, elle pose son pinceau sur sa toile. On est dans le vif du sujet : l’acte de peindre et l’industrie des images. “Comment est-ce qu’une image peinte peut parler d’autre chose que d’elle même ?” interrogeaient récemment Ida Tursic et Wilfried Mille au Collège de France. Leurs peintures, visibles à la galerie Almine Rech, donnent l’esquisse d’une réponse. – Mathilde Urfalino

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Manor Grunewald

Manor Grunewald

In his recent work Manor Grunewald has made a dual turn, pushing his paintings in two seemingly opposing, but in fact intimately related directions. Towards a washed out, nearly empty field, on the one hand, and towards a full, image-laden one on the other. – Alex Bacon

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Stefan Bruggemann

Stefan Bruggemann

Stefan Brüggemann is keen on thinking up titles. So far he has compiled a list of 1,271 of them (‘Show Titles vol. #1’, 2000–6), creating for himself an index of imaginary exhibitions. One might begin, then, with the title of the present show: ‘Soap Box (A Decorative Form of Nihilism)’. A ‘soap box’ would suggest political declarations, the arts of rhetoric and public address, perhaps even the pathos of outmoded ideals. ‘A decorative form of nihilism’? Well, what else can one do with non-belief but inhabit it, display it as a mark of distinction, covering the walls with parerga abutting onto nothing in particular? We might describe Brüggemann first as a rhetorician of emptiness. But, working in the tradition of the dandy, he has also succeeded in dramatizing boredom, which opens ‘soap box’ to a rather different, more private set of connotations. – Tim Stott

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Jeremy Demester

Jeremy Demester

Jeremy Demester: D’origine gitane, que le jeune artiste (né en 1988) revendique à travers son art et ses voyages, il travaille sur le rapport de l’homme avec le monde, la nature et les mythes fondateurs. En collaboration avec ses amis philosophes, scientifiques, artisans, qu’il appelle La Demestria, il est à la recherche d’une expression du sacré, questionnant une présence spirituelle de la nature. En 2015, il avait participé à une résidence d’artiste au Bénin, où, avec l’aide des enfants du quartier, il avait développé une série de toiles exposées actuellement à la galerie Max Hetzler. Les invitant à « peindre avec le mouvement de nos corps », les enfants étaient appelés, au rythme des musiques locales, à danser autour des toiles, y jeter de la peinture, les porter, les soulever, afin d’y projeter une énergie insouciante. Refusant l’emploi de la logique et de la raison, Jérémy Demester laissait ensuite les toiles exposées à la tourmente des éléments naturels, énergisant les pigments. Il retendait ensuite les toiles une fois incarnés de cette puissance. – Maximilien Renard

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Stéfane Perraud

Stéphane Perraud, Pierre, 2016, 30 x 40 cm, tirage numérique sur papier, gravure laser, aluminium.

Stéphane Perraud, Pierre, 2016, 30 x 40 cm, tirage numérique sur papier, gravure laser, aluminium.

Stéfane Perraud is doing some geometric laser art defacing. See more artworks by Stéfane Perraud here.

Brice Marden

Brice Marden

Brice Marden made these paintings using a mixture of oil and beeswax. The works make you want to claw and scoop into them, not so much to destroy as to ingest them. – Mark Godfrey

Gérard Traquandi

Gérard Traquandi - Sans titre, 2015, huile sur toile, 300 x 225 cm - Galerie Laurent Godin, Paris (c) Yann Bohac

Gérard Traquandi – Sans titre, 2015, huile sur toile, 300 x 225 cm – Galerie Laurent Godin, Paris (c) Yann Bohac

Comme beaucoup d’enfants j’aimais et j’aime encore après avoir regardé le soleil en face fermer les yeux très fort et laisser s’imprimer sur les paupières les couleurs qui subsistent suite à cet éblouissement. Faire remonter à la surface du tableau les sensations colorées de ces choses vues ou tout juste aperçues à travers le pare-brise de la voiture, ou en levant la tête au cours d’une marche. Restituer ces brefs émerveillements du quotidien, c’est mon désir de peintre.
En quelque sorte une « mémoire d’aveugle » comme le dit Jacques Derrida.- Gérard Traquandi

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Gonzalo Lebrija

Gonzalo Lebrija, Unfolded, 2015 - Galerie Laurent Godin, Paris

Gonzalo Lebrija, Unfolded, 2015 – Galerie Laurent Godin, Paris

It’s not worth it, says Allen. And it might not be worth for Lebrija either, whose dark Mexican humour and metaphysical bent continues a great tradition of artists and writers. Bittersweet and lucid nihilists, who, despite the impending shadow of failure, never cease in their quest to find the answers to those questions. – Lorena Muñoz-Alonso

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Forests & Boutonnières

Pablo Gonzalez-Trejo, Forest, 20 x 30 cm, Graphite on Paper on Board, 2013

Intense moments of perception with the subtleties and grandeur of nature—and they are often one and the same—are among the most potent and lasting archetypes of Beauty and Transcendence which we, citizens of the post-industrial world, still experience. These moments—a small flower blossoming, a spider web, a chrysalis, the arousal from sleep of hidden faunae, a call from an unseen and unknown animal in the distance, the scent of coming rain, among countless others—offer an inexhaustible source of inspiration.

Forests & Boutonnières is a large-scale project that looks for new social possibilities between spectators and artworks. I will base the project on the essence of the primeval forest and the sharpness with which the urban shaman must confront it. It will draw on the tension between human and natural history. The works will explore ideological projections onto landscape and how they shape our experience of the beautiful and transcendent. As do all artworks grounded in reference to nature, the rebirth of shadowy zones, forgotten tales, and vestigial histories will impact the process and the images which result. One counterpoint is inevitable. Human history is cyclical; peace and war, oppression and freedom, the reign of collective and individual values, reign of worldly and spiritual ideals—these recurrences find their parallels in the cycles of nature across seasons as well as millennia.

The project will honor Monet’s Nymphéas, a large-scale oval installation at Musée de l’Orangerie in Paris while keeping a contemporary perspective and approach. The project consists of different works around the subject of the primeval forest and the city jungle, but one piece in particular will consist of four large-scale paintings measuring 2 meters high (6.5 feet). Two of the canvases will measure 3 meters wide (9.8 feet) and two others will be assembled to form a 9 meter wide painting (29.5 feet). They will form an octagon in which the spectator will be immersed.

100 Years – 100 Artists

Pablo Gonzalez-Trejo, Beat, 50 x 65 cm, Oil, Zinc and Pyrite on Canvas, 2015

A l’occasion de la Commémoration du Centenaire du Génocide Arménien, la galerie Sobering organise la soirée exceptionnelle 100 YEARS – 100 ARTISTS le jeudi 29 octobre à 19h30 à l’Hôtel de l’Industrie à Paris, et propose une vente aux enchères d’œuvres d’art contemporain au profit de l’association ARAM (Association pour la Recherche et l’Archivage de la Mémoire Arménienne) et un concert organisé par Adam Barro, baryton-basse, accompagné de Fanny Crouet (soprano colorature), Anne Quéré (piano) et Pierre Bedrossian (doudouk).

Programme de la soirée:
La vente aux enchères se déroulera le jeudi 29 octobre 2015 dans la Salle Lumière de l’Hôtel de l’Industrie à partir de 19h30
et sera organisée en quatre temps:
• La première partie de la vente aux enchères, de 19h30 à 20h30
• Un concert organisé par Adam Barro, baryton-basse
Il sera accompagné de Fanny Crouet (soprano colorature), Anne Quéré (piano) et Pierre Bedrossian (doudouk), de 20h30 à 21h
• La seconde partie de la vente aux enchères, de 21h à 21h45
• Un cocktail, à partir de 21h45
L’intégralité de la soirée se déroulera à l’Hôtel de l’Industrie, 4, Place Saint-Germain-des-Près, 75006 Paris

La galerie Sobering organise une vente aux enchères de 100 œuvres d’artistes internationaux et émergents. Seront présentées à la vente des œuvres de Lawrence Weiner, Mounir Fatmi, Jonathan Monk, Olivier Mosset, Paul Winstanley, Tania Mouraud… L’intégralité des fonds récoltés sera reversée à l’association ARAM.

L’association ARAM collecte, archive et sauvegarde des documents (livres, cartes, papiers, témoignages, photographies…) relatifs à la mémoire Arménienne.Les fonds récoltés à l’occasion de cette vente permettront de poursuivre la numérisation des documents du fonds et de créer une nouvelle plateforme en ligne où seront regroupés tous les documents numérisés. La plateforme sera disponible en libre accès.

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